DASAR-DASAR SENI

DASAR-DASAR SENI

Komposisi

Komposisi dapat diartikan urutan dari elemen-elemen dan hubungannya dalam satu kesatuan(dari kata con=dengan, dan ponere=bersama, sehingga dapat diartikan sebagai pemaknaan dari peletakkan benda secara bersama-sama). Definisi ini tidak hanya yang paling benar, tetapi secara umum sebagai contohnya Lagu “Moonlight Sonata” milik Beethoven atau komposisi sederhana dari sebuah kereta. Sementara dalam musik dan film, komposisi memiliki frame waktu, dalam seni rupa komposisi adalah keruangan.

Prinsip pengorganisasian elemen-elemen tersebut adalah :

1.      Harmoni

Adalah kepaduan dari berbagai bagian gambar membuat sebuah interaksi yang menyenangkan. Hal ini tercapai melalui pengulangan karakteristik yang sama atau mirip. Terkadang harmoni bisa membuat perasaan bosan atau monoton ketika terlalu berlebihan. Tetapi, harmoni adalah bagian umum dari kesatuan.Pengulangan dalam seni berarti pengulangan elemen-elemen seni, karakteristik dari elemen-elemen tersebut, atau motif tertentu yang dihasilkan dengan kombinasi elemen. Pattern(dibentuk dari pengulangan regular atau irregular) dapat digunakan untuk membentuk harmoni dan ritme dengan pengentian dan beat yang menyebabkan aliran dan hubungan antar bagian.

Ritme dalam seni seperti musik, adalah hasil dari pengulangan dan pengukuran kemiripan atau kesamaan bagian. Ritme bisa menjadi aliran yang halus atau lebih reguler dan kadang tersentak pada pergerakan visual sebagai dictate dari seniman (seperti dari kompositor musik).Harmony dapat dicapai tidak hanya melalui pengulangan, tetapi juga dengan penutupan (orang cenderung melihat pola yang tidak lengkap atau informasi sebagai keutuhan lengkap atau bersatu) atau pengelompokan visual, atau ketika bentuk berbagi ruang (tumpang tindih) atau tepi umum; atau dengan transparansi bentuk; atau dengan ekstensi (tepi / garis / atau bentuk yang tersirat dan subjektif). Sangat mudah untuk mengetahui harmoni yang dicapai dengan konsep yang ada bersama-sama berbagi tepi, daerah bersama tertutupi oleh bagian tumpang tindih, transparansi serupa pada permukaan; hal ini sering digunakan untuk menghubungkan item yang relatif dekat satu sama lain. Namun, konsep ekstensi(tepi, garis, atau bentuk yang tersirat) Memberikan seniman sebuah sistem penyelarasan visual. Ini digunakan untuk mengintegrasikan semua area di dalam komposisi, menghubungkan, mempertemukan, atau mengharmonisasikan daerah, gambar atau bentuk di lokasi yang berbeda dan jauh.Ekstensi menciptakan hubungan tersembunyi. Ekstensi menyelaraskan dengan mengatur arah gaya yang berhubungan, menciptakan gerakan, dan memberikan pengulangan jarak yang dapat diprediksi  antar unit.

2.      Variasi

Variasi adalah penyeimbang harmoni. Sementara seorang seniman mungkin memanfaatkan harmoni dalam pekerjaannya, yaitu dengan variasi seniman mencapai individualitas dan ketertarikan. Komposisi yang berlebihan dari harmoni dapat menjadi statis, tak bernyawa, dan tidak emosional. Dengan menambahkan variasi ke  Gaya visual, seniman memperkenalkan bahan penting untuk mempertahankan perhatian. Pemisahan ini (variasi) dicapai dengan penggunaan yang berbeda dari kontras. Kontras terjadi ketika unsur-unsur berulang dalam sebuah cara yang membuat unsur-unsur tampak tidak berhubungan, berlawanan(bahkan bertentangan). Kontras yang tinggi, daerah yang terlibat menjadi kurang harmonis namun meningkatkan proporsional dalam keindahan visual.

3.      Keseimbangan

Balance atau keseimbangan adalah rasa keseimbangan yang dicapai melalui implementasi berat, perhatian, atau ketertarikan, dengan memanipulasi elemen-elemen visual dalam sebuah karya seni. Manusia menyepakati tentang istilah “balance” sebagai fungsi dari gaya gravitasi. Demikian pula dalam seni, manusia menyepakati pemahaman balace sebagai penangkal gaya gravitasi. Kebanyakan karya seni dipandang dalam orientasi vertikal (Istilah atas, samping dan bawah). Keseimbangan komposisi Visual dicapai dengan menangkal daya tolak ke bawah dan bobot gravitasi komponen. Sebagai contoh, bola ditempatkan tinggi di bidang gambar menghasilkan rasa ketegangan (orang mengira akan jatuh); sementara bola ditempatkan rendah akan menghasilkan rasa damai atau tenang.

Ketika mata berjalan di atas permukaan gambar, mata akan berhenti sejenak di bagian gambar yang signifikan. Titik-titik menarik ini merepresentasikan gerak dan kekuatan arah yang mengimbangi satu sama lain dan mungkin disebut dengan pergerakan gaya. Dalam mencari keseimbangan, seniman harus menyadari bahwa unsur-unsur bervariasi membuat gerakan gaya, dan penempatannya akan menghasilkan semacam ketegangan. Ada tiga jenis keseimbangan timbangan, yaitu a) simetri, b) semi simetri dan c) asimetri.

Sebuah gambar simetris menampilkan satu sisi dari format yang diulang di sisi lain. Ini seperti tampilan "cermin" dan bentuk sederhana dari keseimbangan artistik. Karena sifat simetri, persatuan dapat dengan mudah dicapai, tetapi seniman ditantang untuk membuat orang melihat dengan berbagai rincian dekoratif. Kualitas yang berpotensi membosankan dari simetri dapat dikurangi dengan penyimpangan dari pola berulangnya. Oleh karena itu, keseimbangan semi simetris dicapai dengan berbagai komponen yang masih diposisikan dengan cara sama.

Keseimbangan radial dapat membuat benar atau semi simetri, sementara gaya didistribusikan di sekitar titik pusat. Keseimbangan seperti ini memiliki lebih banyak gerakan; tidak statis seperti simetris. Jika kita mengganti obyek dengan entitas non objektif, berat psikologis dari objek tersebut dapat dibentuk oleh bentuk, nilai, dan atau warna dan pandangan orang tentang keseimbangan objek yang berubah. Orang bisa menyebutnya keseimbangan optik dari "benda berat" (lebih tajam bentuk, nilai-nilai khas, intensif atau warna-warna hangat dll) dalam kontras dengan "benda ringan" (bentuk bulat, nilai menjalar, warna pucat, atau warna dingin dll). Tapi ketika orang menggunakan bentuk yang berbeda, nilai-nilai atau warna pada gambar yang sama, orang menyebutnya keseimbangan asimetris

Keseimbangan asimetris (okultisme atau dinamis) berarti pengendalian visual dari kontras melalui rasa keseimbangan antar bagian gambar. Tidak ada aturan untuk mencapai keseimbangan asimetris; tidak ada titik pusat dan tidak ada pembagian sumbu. Jika, seniman bisa merasakan, menentukan, atau memperkirakan gaya berlawanan dan ketegangannya sehingga dapat saling menyeimbangkan secara keseluruhan, hasilnya akan menjadi penting, dinamis, dan pengorganisasian ekspresi pada bidang gambar.

4.      Proporsi

Proporsi adalah hubungan perbandingan antara bagian-bagian dari keseluruhan atau unit tentang ukuran. Bagian proporsional dipertimbangkan dalam kaitannya dengan seluruh dan yang berhubungan dengan bagian-bagian yang menciptakan harmoni dan keseimbangan. Skala istilah digunakan ketika proporsi berhubungan dengan ukuran dan ketika ukuran tersebut konstan secara standar (unit spesifik yang berukuran relatif terhadap dimensi manusia). Sebagai contoh, sosok manusia yang paling sering dianggap sebagai "norma" oleh arsitek untuk skala bangunan dan sering oleh seniman untuk representasi dalam karya-karya mereka.

Seniman telah mencari standar "ideal" untuk hubungan proporsional sejak zaman kuno. Berpegangan sosok manusia sebagai penghargaan tertinggi, pada zaman Yunani kuno sudah dirancang standar proporsional khusus untuk karya figuratif manusia. Standar-standar ini ditemukan pada patung mereka. Skala tersebut berdasarkan kanon aturan tertentu matematika yang menjalin hubungan yang ideal dari bagian tubuh manusia (tujuh kepala tinggi badan, dari atas kepala ke dada = Seperempat dari total tinggi, dll). Pematung Yunani Polyclitus adalah orang pertama yang mengeluarkan canon tersebut dalam bentuk risalah tertulis, dan gagasan yang mengusahakan hubungan proporsional menyenangkan diperpanjang menjadi semua bidang kehidupan Yunani sehari-hari. Gaya Polyclitus adalah ditandai dengan komposisi yang harmonis dan berirama, dan dipengaruhi budaya Romawi.

Filsafat Yunani klasik mendirikan Golden Mean (Golden Section) untuk mewakili standar yang ideal untuk proporsi dan keseimbangan dalam hidup dan seni. The Golden Section, seperti diterapkan pada karya seni, menyatakan bahwa bagian kecil berhubungan dengan bagian yang lebih besar sedangkan bagian yang lebih besar berkaitan dengan keseluruhan. Ini Mungkin terlihat dalam hubungan geometris ketika garis dibagi menjadi apa yang disebut rata-rata dan rasio ekstrim. Ketika garis AB dipotong pada titik C, AC adalah rasio yang sama seperti AB sedangkan CB adalah untuk AC. Rasio ekstrim dan rata-rata ini memiliki nilai numerik 1.6180 (Angka Fibonacci Series, di mana setiap nomor digabungkan dua yang sebelumnya: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 56 ...; memiliki rasio yang sama). Menerapkan konsep ini untuk geometri, bangsa Yunani menemukan proporsional persegi panjang yang paling indah dan bisa diciptakan dari persegi (The Golden Rectangle )

Zaman sekarang, para ilmuwan mengakui Golden Section di kehidupan ( memperluas kurva tempurung nautilus, kurva dari cakar kucing, pertumbuhan spiral biji pinus. Kurva spiral dapat ditunjukkan dalam proyeksi terus-menerus dari Golden Rectangle menjadi unit yang semakin besar dan lebih besar. Kebanyakan seniman mencari proporsi keseimbangan dan logis, tetapi beberapa seniman memilih untuk mengabaikan esensi proporsi, dalam usaha untuk menekankan skala ekstrem.

5.      Dominan

Dominasi adalah prinsip organisasi visual yang unsur-unsur tertentu dianggap lebih penting daripada yang lain dalam komposisi atau desain yang sama. Dalam setiap karya seni, seniman bermaksud untuk meminta perhatian atas bagian-bagian penting dari karya mereka, sehingga membuat bagian tersebut dominan. Perbedaan-perbedaan antara berbagai bagian dalam sebuah karya seni dapat dicapai dengan:

a)      Isolasi atau pemisahan satu bagian dari bagian yang lain

b)      Penempatan pada "pusat panggung" yang paling sering digunakan

c)      Arah gerakan yang kontras dari bagian lain yang menarik perhatian

d)     Skala ukuran lebih besar biasanya mendominasi

e)      Karakter yang berbeda secara signifikan secara umum membuat penampilan mencolok

Artis yang mengabaikan dominasi dalam pekerjaan mereka menyiratkan bahwa semuanya sama pentingnya; seni tersebut menciptakan citra visual yang membingungkan kepada penonton dan tidak memberikan arah yang jelas.

6.      Pergerakan

Gerakan adalah pergerakan mata yang dituntun oleh jalur visual dalam karya seni. Seniman membuat perjalanan penglihatan atau pengamatan yang nyaman dan informatif dengan memberikan jalan dan berhenti sejenak. Jalan tersebut pada kenyataannya adalah transisi antara unit optik. Gerakan mata diarahkan oleh transisi ini yang diproduksi oleh arah garis, bentuk, kontur, dan motif yang menyebabkan orang menghubungkannya satu sama lain. Kebanyakan patung dan semua permukaan gambar bersifat statis dan setiap animasi dalam karya-karya tersebut berasal dari ilusi Gerakan yang diciptakan oleh seniman melalui konfigurasi bagian dari karya seni. Kata-kata tertulis dibaca dari sisi ke sisi, tapi gambar visual dapat dibaca dalam berbagai arah. Seniman harus memastikan bahwa semua daerah dieksploitasi dengan tidak statis atau dengan bagian yang tidak menarik, terus menarik perhatian kembali ke karya seniman.

Posisi spasial elemen menyebabkan gerakan jenis lain. Beberapa seni menggabungkan elemen waktu menjadi gerakan. Misalnya, pematung Yunani mencoba untuk menambahkan Gerakan pada figur yang statis dengan cara mengadakan baris atau garis di gorden tokoh mereka untuk aksen arah yang terus menerus; atau di zaman pertengahan, seniman mencoba bercerita dengan mengulang serangkaian gambar diam; dan dalam seni yang lebih baru, di Italia, yaitu "Futuris" mencoba untuk menyarankan gerakan dengan superimposisi banyak pandangan stasioner gambar atau bagian-bagiannya dalam satu gambar. Dalam membuat patung, jenis yang paling umum dari gerakan adalah gerakan tersirat, tetapi hanya beberapa, seperti patung kinetik, yang memiliki gerakan yang sebenarnya. Gerakan-gerakan patung tersebut, atau bagian dari patung, yang digerakkan oleh udara, air, atau perangkat mekanis. Prinsip gerakan yang berhubungan secara tak terpisahkan dari seni elemen ruang dan waktu.

Space adalah interval, atau jarak yang terukur, antar titik atau gambar. Beberapa penulis telah mengambil posisi bahwa ruang tidak menjadi elemen (bukan salah satu prinsip organisasi) tetapi produk sampingan dari unsur-unsur dalam sebuah karya seni. Tapi konsep ruang tidak diragukan lagi sangat penting. Misalnya, sekali sebuah unsur (seperti garis) menjadi terlihat, secara otomatis membuat posisi spasial yang kontras dengan latar belakang.Dalam mentransfer ruang alam ke atas papan gambar atau kanvas, para seniman akan lama dihadapkan dengan masalah yang telah ditangani dengan berbagai cara di berbagai periode sejarah. Terkadang seniman merasa puas dengan dua dimensi yang datar, sebagai representasi dari alam dengan permukaan datar melalui gambar dan lukisan. Jenis ruang ini disebut dekoratif ruang karena tidak adanya kedalaman yang nyata, hanya terbatas pada kelandaian bidang gambar. Tapi, cukup sering efek yang dicari adalah salah satu yang memiliki pengamat yang melihat frame sebagai jendela di ruang. Ruang seperti ini disebut ruang tiga dimensi atau ruang plastik karena adanya ilusi kedalaman. Ada beberapa jenis ruang plastik, yaitu ruang dangkal dapat dibandingkan dengan perasaan satu kekuatan Pengalaman yang terbatas pada kotak atau tahap ( pada lukisan-lukisan tersebut ada pengendalian lebih dari penempatan bentuk dekoratif sebagai elemen murni komposisi; ruang dalam adalah bentangan yang menggulung secara terus-menerus yang dicapai dengan ukuran, posisi, gambar tumpang tindih, detail tajam dan kurang, konvergen paralel, dan perspektif. Konsep Spasial yang tak terbatas adalah bersekutu dengan perspektif atmosfer, yang didominasi Seni Barat dari awal Renaissance ke pertengahan abad ke-19. Ada banyak metode artistik dari representasi spasial dan orang hanya bisa mencoba beberapa di antaranya:

·         Ukuran - Ruang dapat disarankan oleh berbagai ukuran benda yang serupa. Namun, dalam banyak periode dan gaya seni (dan dalam karya-karya anak-anak), dalam skala besar ditetapkan sesuai dengan kepentingan, kekuasaan, dan kekuatan, terlepas dari tata ruang lokasi.

·         Posisi - Posisi benda dinilai dalam kaitannya dengan garis horizon yang bagian bawah bidang gambar terlihat sebagai titik visual yang terdekat (perspektif vertikal).

·         Tumpang Tindih bidang atau volume di atas permukaan yang terlihat dari bidang lain menunjukkan bahwa yang pertama lebih dekat.

·         Transparansi adalah hubungan spasial lebih dekat yang gambar atau elemen jauh dapat terlihat lebih dekat.

·         Interpenetrasi adalah ketika bidang, benda atau bentuk yang melalui bagian lain, mengunci bagian tersebut bersama-sama dengan area ruang yang spesifik.

·         Representasi pecahan adalah ketika aspek yang paling mewakili bagian yang berbeda dari sebuah objek (atau tubuh) dikombinasikan dalam gambar yang sama, sehingga menciptakan efek ruang yang merata (seni Mesir, Kubisme dll).

·         Konvergensi paralel dapat membuat sebuah bentuk muncul menuju surut ke dalam bidang gambar.

Perspektif adalah sistem grafis yang digunakan dalam menciptakan ilusi Gambar 3D dan hubungan spasial di permukaan 2D. ada beberapa jenis perspektif:

Perspektif Linear geometris = mengembangkan fenomena optik dari pengurangan ukuran oleh perlakukan tepi sebagai konvergen paralel garis, yang memperpanjang ke titik hilang.

Perspektif reverse = ketika seniman (timur Asia seniman, Medieval pelukis, dll) menggunakan proyeksi miring pada objek 3D yang disajikan dengan sisi paralel depan dan belakang ke dasar cakrawala dan bidang lainnya ditarik sebagai paralel datang dari depan pada sudut 450 derajat.

Proyeksi isometrik adalah proyeksi miring yang objeknya disajikan dimulai dengan tepi vertikal terdekat objek ditarik pada sudut 300 dan semua garis vertikal diproyeksikan tegak lurus dari dasar garis horison.

Perspektif Atmosfer (udara) adalah ketika ilusi ruang dalam diproduksi oleh cahaya, pelunakan detail dan tekstur, mengurangi nilai kontras, dan menetralkan warna pada objek.

Perspektif Warna adalah teknik yang menggunakan karakteristik tata ruang warna yang objeknya menggunakan warna hangat agar tampak lebih dekat daripada benda berwarna warna dingin.

Seniman modern yang memiliki ilmu pengetahuan baru, industri bahan dan teknologi, telah memperluas proses penjelajahan alam. Ruang empat dimensi adalah perlakuan yang sangat imajinatif dari bentuk yang memberikan rasa interval pada waktu atau gerak.

7.      Ekonomi

Ekonomi adalah proses distilasi foto menuju bagian dasar yang penting untuk kejelasan penampilan.Seniman menemukan solusi untuk berbagai masalah penglihatan mengakibatkan kompleksitas yang tidak menentu. Kekurangan dari kesatuan seniman dapat digantikan dengan kembali ke kepentingan yang signifikan, menghilangkan Rincian rumit, dan menghubungkan bagian khusus ke umum. ekonomi tidak memiliki aturan dan harus menjadi hasil dari naluri seniman. Jika sesuatu bekerja sehubungan dengan penghargaan untuk keseluruhan, itu harus dijaga; jika mengganggu, mungkin ditolak. Ekonomi sering dikaitkan dengan istilah "abstraksi".

Abstraksi berarti proses aktif dari pengupas segala sesuatu sampai inti yang diperlukan untuk ekspresi gaya seniman. Ekonomi mudah dideteksi dalam berbagai gaya seni kontemporer. Abstraksi adalah istilah relatif karena abstraksi hadir di berbagai bagian dalam semua karya seni.

Perkembangan menuju Abstraksi:

·         Obyek dari Alam sering menjadi titik awal bagi seniman (terutama untuk fotografer);

·         Naturalisme sepenuhnya mewakili penggambaran impersonal alam yang cenderung meniru efek khusus dari kamera;

·         Realisme adalah penampilan yang mewakili secara subyektif dan dimodifikasi oleh seniman untuk menekankan makna emosional yang universal;

·         Semi-Abstrak adalah perwakilan sebagian, namun disederhanakan dan diaturulang ("menyimpang" atau “didistorsikan”) dengan mengurangi lebih lanjut dari tanda pengenal ( dibuat bergaya);

·         Abstraksi objektif adalah representasi dengan mengubah atau menyulingkan obyek alamiah menjadi esensi objek(Simbol)

·         Abstraksi non objektif adalah tidak mewakili, mulai tanpa referensi untuk subjeknya dan dengan asumsi nilai seni berada dalam bentuk (unsur dan prinsip-prinsip) dan konten yang lengkap( desain murni).

Tetapi prinsip-prinsip tersebut bukanlah suatu aturan, dan tidak hanya berakhir dalam hal itu saja. Prinsip tersebut hanya membantu dalam menemukan solusi tertentu untuk kesatuan, jadi mengikuti prinsip tersebut tidak menjamin mendapatkan hasil yang terbaik. Penggunaan prinsip dalam karya seni terlalu subjektif dan intuitif. Kesatuan dan pengorganisasian dalam seni tergantung pada dualisme dari kesamaan dan kontras (keseimbangan antara harmoni dan variasi)(Ivana, 2008).

Referensi :

Ivana. (2008). Art Theory. 4-9.